Historia de la musica

Introducción En este trabajo conoceremos la Historia de la Musica a travez de los tiempos, y de su evolucion e importancia en nuestra sociedad. Viajaremos desde Oriente, pasando por la India y Europa conociendo las distintas epocas de la musica clasica, opera y compositores mas famosos... Conoceremos desde el simple sonido del tambor más prehistorico hasta la musica con sintetizador mas avanzado de nuestra epoca... HISTORIA DE LA MUSICA La prehistoria y las civilizaciones antiguas Hace mas o menos 51 mil años o mas nuestros antepasados inventaron la musica. Los hombres primitivos tenian preocupaciones. Como no conocian la agricultura tenian que buscar sin cesar el alimento, mientras se defendian contra sus semejantes o contra los animales feroces. Eran a la vez cazadores y cazados, lo que les obligaba a desplazamientos continuos. Un buen dia el hombre descubre que puede imponer su voluntad a la naturaleza. Algunos animales buscan su compañía y aprenden a obedecerle; algunos vegetales comestibles se pueden plantar y de esta forma multiplicarse. Entonces unas tribus nomades descubren los encantos de la vida sedentaria. Se afincan en valles fertiles o fundan pueblos y luego ciudades. Estamos entre los años 10 mil y 5 mil ac. Los pobladores de algunos valles; Tigris y Eufrates, Nilo, Rio Amarillo... fueron los primeros en muchas cosas: metales, carros de ruedas, escrituras, artitmetica y musica. Verdarera musica como hoy la entendemos. Varias regiones fueron destruidas por cataclismos naturales, los libros antiquisimos hablan de ello, es El Diluvio del que habla La Biblia. Quizas se trate de inundaciones catastroficas provocadas por los grandes rios pero no por eso menos devastadoras. Ciudades enteras fueron destruidas con sus habitantes y sus tesoros. En cambio se han encontrado instrumentos de musica, escritos, esculturas de la epoca que siguio al Diluvio, etc. Los que escaparon del Diluvio entre el Tigris y el Eufrates tocaban la flauta de plata, el arpa, la lira, el tambor o el laud. La musica en Egipto En Egipto, tierra de las piramides y la esfinge, la musica es un misterio. Se admite su influencia sobre la cultura musical griega y la existencia de indicios sobre instrumentos conservados. Se deduce que los egipcios poseian instrumentos de cuerda viento y percusion ya que se encontraron en algunas tumbas faraonicas figuras de flautas. Empleaban el movimiento de la mano, para indicar la ondulcaion melodica marcaban el ritmo con palmadas, cistros platillos y tambores. Tambien para indicar la marcha de la melodia se valian de movimientos de las manos. La musica se la asignaba con una doble posibilidad, por un lado la capacidad de motivar en el hombre una sensacion (gozo y alegria) y por otro lado el de crear sensaciones de naturaleza mistica y magica. La musica en la antigüedad consistio en la extereorizacion de los sentimientos del hombre a travez del sonido de su propia voz. Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podian producir sonidos. Los diferentes instrumentos musicales primitivos estan clasificados en: Autofonos: Aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que estan construidos. Membranofonos: Serie de instrumentos mas sencillos que los construidos por el hombre, por ejemplo tambores hechos con una membrana tirante sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia. Cordonofonos: De cuerda, por ejemplo el arpa. Aerofobos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos fue la flauta, construida con un hueso con agujeros. La musica en Grecia Los griegos componian musica sobre la base de tipos de musica ya consagrados o sea: no creaban musica. Solian agregarle un determinado esquema musical a diferentes poesias o alteraban su ritmo dando nacimiento a otras obras musicales. Tenian generos melodicos muy variados: Prosodia: canto entonado cuando la procesion se dirigia al templo. Hipoquerma: melodia asociada a movimientos corporales propios de danzas griegas. Ditirambo: cancion en honor de Dionisio o Baco (Dios del Vino) Pean: himno en homenaje a Apolo. Treno: canto funebre y doliente creado por Linos. Elegia: carácter triste. Himeneo y Apitalemio: carácter alegre para el casamiento. Sobre la base de estos generos se elaboro toda la musica lirica en Grecia, pero se fueron introduciendo otros generos liricos como: Dafneforicas: entonados por portadores de laurel. Oscoforicas: entonados por quienes llevaban una rama de vid. Tipodeforicas: entonadas por 2 personas que cargaban tripodes. El sistema musical se nutrio de los principios de Pitagoras. Los antiguos griegos dividian el marco melodico en 2 cuartas. En las celebres fiestas nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y cantaban ditirambos. En las representaciones teatrales el coro era un personaje importante en las tragedias griegas. La musica en Roma Roma conquisto militarmente a Grecia pero el vigor y el esplendor de la civilizacion griega domino al nuevo imperio. Las artes, las ciencias, la filosofia pasaron a integrar el pensamiento romano. La tragedia y la musica griega se afincaron en la peninsula desarrollandose a la manera romana, tomando caracteristicas que en muchas oportunidades desvirtuaron el significado estetico que la musica habia alcanzado entre los griegos. En Roma tuvieron gran auge las fiestas musicales consistentes en brillantes cortejos formados por centenares de musicos y coros inmensos que recorrian la ciudad. De todos los ambitos del Imperio acudian a Roma los “musicos virtuosos”, verdaderos showmen a quienes interesaba brindar un espectaculo lleno de excentricidades. Habia celebres artistas que se hacian pagar muy bien y que llevaban una vida de lujo. Entre los mas famosos sobresalieron los griegos como Terpnos, gran citarista y maestro de Neron, Polon, etc. En los teatros romanos edificados a la manera griega se comenzo a reperesentar “ comedias”, siendo los principales autores Plauto y Terencio. La Tragedia no tuvo mucha aceptacion su principal cultor fue Seneca. Entre las obras del filosofo quedaron algunas como Medea, Las Troyanas y Agamenon. Los romanos utilizaron instrumentos de distintos pueblos de la antigüedad. Roma tuvo bajo su poder a pueblos enteros que a su vez aportaron sus tradiciones al mundo romano. Los instrumentos solistas mas importantes fueron: la lira, la citara, el aulos, el oboe, el cerni, tambien los platillos y los timbales. El pueblo romano se preocupo por la musica y el lenguaje, por ejemplo, algunos oradores estaban acompañados por un flautista. Desarrollo de la musica en el Lejano Oriente La musica en China: En China el emperador Shih Huang-Ti fue quien ordeno la destruccion de todos los libros. Todo lo que se sabe del pasado de China se sabe por leyendas o por la enseñanza oral de los sabios que preservaron la antigua cultura. La musica en China atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese pais anciosos de novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la musica, las notas eran para los hombres ordinarios , la musica a los hombre sabios. Linr-luen, de profesion sabio, invento la teoria musical china, una teoria tan perfecta que ha servido hasta nuestros dias. Creo la gama china, cortando caña de longitudes bien calculadas y soplando en su interior. Los chinos formaron la escala que los europeos llamaron “cromatica”, descubierta por el maestro de musica de Hoan-Ti. Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8 grupos: piedra, metal, seda, bambu, madera, cuero, calabaza y tierra. Entre los instrumentos de viento estan las flautas de Pau, la flauta de bambu con orificios, las flautas traversas y las trompetas. Entre los de cuerda estaba el Kin, el Che, el Pi-pa. La Musica en Japon La teoria musical y los instrumentos utilizados en Japon eran provenientes de Corea, que a su vez, los habia incorporado desde China. A pesar de esto el refinamiento musical japones alcanzo un nivel superior al chino. Los instrumentos favoritos japoneses eran: el koto, el Yamato-goto y el Yamato-bue. En los casos de acompañamiento musical no acostumbraban a hacer sonar simultaneamente la voz y el instrumento. Existian diferentes generos musicales: el Bagaki para ceremonias del emperador, el No para la musica de fondo en actos de teatro, el Ko-uta para la musica folclorica y el Noga-uta para la musica seria. La musica en la India La India por su situacion geografica alejada de Europa no dio a conocer su musica hasta despues de varios siglos. El carácter de la musica india se encuentra mas cercana a la musica occidental que a la china y japonesa. Sus rasgos principales son de origen mitologico, predomina el compas ternario y la division cromatica de la escala. Igual que en la China las notas de la escala tenian cierta relacion con los individuos. La teoria musical tenia como base la raga (forma melodica), el cual al modificar sus ritmos permitia nuevos cantos. Las ragas representaban colores, estados del alma, etc. La musica vocal e instrumental de India tenia variadas aplicaciones, en la religion, en palacios, entre gente humilde, etc. Algunos de sus instrumentos fueron: De arco: ravanastia, ravana y amurita. De viento: flautas, oboes, cornamusas y trompetas. De percusion: campanas, platillos, panderos y tambores. La musica en Israel La musica en Israel era un elemento inseparable del culto. Pentateuco: el caso de Laban Genesis: que cita instrumentos musicales. Exodo: el canto oral. Algunos instrumentos usados por el pueblo de Israel fueron: Cuerdas: las lisas y citaras. Salterios de 13 cuerdas, arpa egipcia de 10 cuerdas, tambien llamada “Arpa de David”. Viento: flauta simple, cueron de carnero. Percusion: tambores, cimbolos, y castañuelas. La musica en la Edad Media La musica en la edad media se divide en el Periodo Patristico (hasta el año 840). En el Romantico (año 840 hasta el año 1250 en el siglo XII). En el Gotico (1250 a fin de la edad media y 1453, fines del siglo XV). En el Periodo Patristico aparecio la Era Cristiana y la Era Media, en esta ultima la historia de la musica se encuentra intimamente ligada a la forma en que se desarrollo la liturgia cristiana, ya que se consideraba a la musica el vehiculo por medio del cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios. Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la existencia de textos y melodias profanas que trataron de penetrar en los oficios religiosos. Los personajes de la musica profana dedicados a la disposicion de esta musica fueron: Juglares: musicos ambulantes y plebeyos que divertian en fiestas y castillos. Los Trovadores: pertenecian a la nobleza y eran musicos y poetas que inventaban rimas y ritmos. Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proesas de sus heroes valiendose del laud. Los ministeriles: verdaderos productores musicales que administraban musica y formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar espectaculos musicales. En el año 374 a 397 San Ambrosio reunio aquellos signos que debian ser aceptados en un credo antifonario naciendo asi el Canto Ambrosiano. En el 540 al 604 San Gregorio Magno recopila himnos eliminando los que tenian origen popular o pagano, dando nacimiento al Canto Gregoriano. Desde su nacimiento la musica cristiana fue una oracion que se tenia que cantar con devocion tal como lo decia San Pablo “Cantando a Dios con vuestro corazon”, asi pues el texto es la razon de ser del canto gregoriano ya que “el que canta reza dos veces”. La melodia del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes: El Silabico: cada nota representada por una silaba. El Neumasico: una misma silaba corresponden a 2, 3 ó 4 sonidos diferentes. Las Secuencias: intercalacion de un texto en las notas del aleluya. El texto es el que da sentido a la melodia y no se puede concebir el canto gregoriano sin texto, lo que quiere decir que al interpretar el canto gregoriano, los cantantes han tenido que entender muy bien el sentido del texto. Esta musica se canta a capella sin acompañamiento instrumental, se canta al unisono o lo que es lo mismo todos los cantores entonan la misma melodia. A esta forma de canto se le llama Monodia. Se canta con ritmo libre. Notacion Gregorianas: Notas simples Virga Punctum Quadratum Punctum Inclinatum Neumas Simples Pes (podatus) Clivis Torculus Porrectus Climacus Scandicus Salicus Neumas compuestos Se forman por la unión de neumas simples por una sola sílaba Flexus: cuando se complementan con notas descendentes Resupini: cuando se complementan con notas ascendentes Praepunctis o subpunctis según contengan notas antes o después: Praepunctis Subpunctis ALTURA DE LOS SONIDOS La altura de los sonidos viene indicada por la colocación de las notas al tetragrama con la posibilidad de utilizar líneas adicionales inferiores y superiores. Las claves utilizadas son de Do (C) y FA (F) que pueden estar en 2ª. 3ª. o 4ª. línea. Clave de DO (C) Clave de FA (F) La extensión posible de los sonidos es: SIGNOS DE PAUSA. Los signos de pausa, originados por la estructura del texto, son: a) Línea divisoria mínima, que separa los incisos o partes menores en que se divide el texto; no implica respiración. b) Línea divisoria menor, que separa los miembros de la frase. No son más que incisos de más amplitud. Casi siempre implica respiración. c) Línea divisoria mayor que separa les frases: Equivale a un silencio con una durada de nota simple y obliga a respirar. d) Línea divisoria doble, que indica más sentido conclusivo o también final de la composición, equivale a silencio de nota simple, a veces un poco más prolongado. OTROS SIGNOS E1 guión es un signo que va al final de cada tetragrama, para indicar que nota es la inicial. El si bemol El canto gregoriano es música modal, se utilizan varias escalas o modos de sonidos muy particulares, sirven para despertar diferentes sentimientos como: alegría, tristeza, serenidad, etc. Esto es consecuencia de la colocación de los semitonos dentro de las escalas. Guido D'Arezzo dijo: “El primero es grave, el segundo es triste, el tercero místico, el cuarto armonioso, el quinto alegre, el sexto devoto, el séptimo angélico, y el octavo perfecto”. Adán de Fulda los comenta: “El primer modo se presta a todo sentimiento, el segundo es apto para las cosas tristes, el tercero es vehemente, el cuarto tiene efectos tiernos, el quinto conviene a los alegres, el sexto a los que tengan piedad, el séptimo pertenece a la juventud y el octavo a la sabiduría”. Juan de Espinosa, autor del siglo XVI, comenta: “ El I es alegre y muy hábil para suavizar pasiones de animo...; grave y llorón es el II, muy apropiado para provocar lagrimas...; el III es muy eficaz para incitar la ira...; mientras que el IV coge toda la alegría y incita a gozar de las cosas...; el V causa alegría y placer a los que están tristes...; llorica y piadoso es el VI...; placer y tristeza se reúnen en el alegre VIII...” LOS MODOS GREGORIANOS La única escala diatónica que se utiliza en el Canto Gregoriano, es: No todas las melodías cogen toda la extensión: algunas se mantienen en la octava inferior (de La a La), otras en la central de (Mi a Mi) y otras en la superior (de Sol a La). En cada una estas octavas, los SEMITONOS a más o menos distancia de la nota final, con lo cual tenemos un elemento fundamental para entender los Modos. Para los Greco-romanos, la octava que conocemos hoy en día no existía. Eran más bien dos tetracordos separados: Do, re, mi, fa sol, la, si, do. El Tetracordo es considerado como la base modal, el primer elemento completo o núcleo generador de toda la melodía. Las escalas tienen una quinta central a partir de la nota tónica, llamada también final, más tres sonidos, que pueden estar en la parte superior, y en este caso se llaman modos auténticos (agudos), o en la parte inferior, y entonces se llaman modos plagales (o graves). El nombre de los modos son: Existe una tónica en la cual, si bien no siempre comienza la melodía, normalmente acaba y descansa. Las tónicas pueden ser: Re, Mi, Fa y Sol. A más a más en cada modo hay una nota Dominante, llamada así porque la melodía se mueve sobre ella con relativa frecuencia, les dominante son: MODO I II III IV V VI VII VIII DOMINANTE RE FA SI-DO LA DO LA RE DO La melodía es silábica si a cada sílaba del texto le corresponde un sonido y es melismática cuando a una sílaba le corresponde varios sonidos. Hay melismas que contienen más de 50 sonidos por sílaba. El texto es en latín, lengua del Imperio romano y extendida por Europa, los textos se cogen de los salmos, del Antiguo Testamento, de los Evangelios y otros eran de inspiración propia, generalmente, anónima. El canto gregoriano está escrito sobre tetragramas, es decir sobre 4 líneas, las notas se denominan punto cuadrado (punctum) o virga si aparecen solos, o neumas si aparecen agrupados. EL ESCENARIO DEL CANTO GREGORIANO El canto gregoriano nació para ser interpretado dentro de la Liturgia de la Iglesia, la Liturgia es su escenario natural. La Misa. 1.La Misa: En la celebración de la Eucaristía hay dos grupos principales de piezas: a) El ordinario: Está formado para textos que se repiten en todas las Misas. - Kyrie Eleison - Gloria in excelsis Deo - Credo - Santo y Benedictus - Agnus Dei b) El Propio: Está formado por piezas que se cantan según el tiempo litúrgico o según la fiesta que se celebra. - Introito: canto de entrada para iniciar la celebración - Gradual o Aleluya o Tracto: después de las lecturas - Ofertorio para acompañar la procesión de las ofrendas Comunión La Polifonia. Hacia finales del siglo IX y principios del X se procucen 2 hechos de gran trascendencia desde el punto de vista musical nacidos para dar mas riqueza al canto gregoriano: Los primeros indicios de polifonia. Los tropos y las secuencias. La polifonia era una nueva tecnica musical resultante del cruzamiento de varias voces, según reglas y esquemas armonicos. La musica polifonica tuvo origen en el canto gregoriano, o sea que el tema de un canto liturgico se tomaba como base superponiendole otro nuevo. El Organum: forma mas antigua de la polifonia que se conoce y tiene por base la superposicion de voces a distancia de cuartas o quintas. El Discantus: las voces o melodias realizaban movimientos contrarios en lugar de movimientos directos. El Conductus: con su aparicion los compositores tienen una mayor libertan en su creacion, sin sujetarse a la melodia base. El Gymel: las voces o melodias se movian en distancia de terceras solamente comenzando y concluyendo en el unison. El Faux-bordon: procedimiento musical en el cual las voces se disponian en intervalos de tercera y sexta. Con la aparicion del conductus y con los organums de perotin ue ya tienen cuatro voces, se habren caminos a nuevas combinaciones de polifonia medieval hasta culminar en la forma del Motete. La palabra Motete deriva del frances Moté (texto). La voz principal es el tenor y se va renovando con las otras voces con variantes y diversos desarrollos. Es condicion escencial del motete que sus voces canten simultaneamente al menos dos letras. Aunque nacio de la liturgia poco a poco se va aliando cada vez mas con los razgos melodicos de las canciones de los trovadores, marcando asi la primera aparicion de un arte polifonico profano lleno de vida. La lengua empleada en el motete era el latin para el teros y otras dos voces en frances. La musica en el Renacimiento El termino Renacimiento no es muy adecuado para la musica ya que no hay ninguna rutura con la etapa anterior si no una evolucion estilistica; es mas bien un termino cronologico que nos sirve para hablar de la musica de los siglos XV y XVI. El espiritu del renacimiento nace en Francia y se extiende hacia Italia. A partir de la primera mitad del siglo XV se olvida el espiritu feudal. Los pintores descubren la perspectiva, los arquitectos dejan que entre la luz en las casa, y se construyen calles y plazas como si estuvieran pensadas por los poetas y musicos. Los artistas del renacimiento trabajan para ser perfectos en su ciencia. ¿Pero que renace?, lo que se pretende renacer es la civilizacion antigua despues de un largo periodo de barbarie tambien llamado edad media. El hombre vuelve a mirarse a si mismo, a la naturaleza que lo envuelve y a buscar las fuentes de la cultura clasica. Los centros de produccion artistica ya no son los monasterios si no los circulos artisticos, las cameratas, alrededor de las cortes de los nobles que se convierten en los grandes centros de las artes. La imprenta existia desde hace medio siglo pero todavia no se habia conseguido imprimir musica de buena calidad para poderla comercializar. Va a ser durante el año 1501 cuando se va a publicar por primera vez una colección de 94 obras polifonicas. Esta etapa va a ser muy importante en la historia de la musica. En Italia, Francia y los Paises Bajos, se publican numerosos libros de musica. Unos de los primeros musicos del renacimiento fue Guillaume Duffay, despues de él, el siguiente gran genio de la musica es Josquin des Prés. Su importancia musical a travez de los siglos es tan solo comparable con la de Mozart. La musica que se publica es la de Josquin y la de sus contemporaneos, tambien sus canciones. No son canciones como las de hoy dia, si no canciones polifonicas y algunas tan complejas como las misas. Como no todo el mundo es capaz de interpretar esta musica y como a la mayoria de los aficionados les gustaria tocar esta musica, ellos solos, se publican arreglos para laud, o para una sola voz acompañada de laud. Laud Gracias a la musica impresa el siglo XVI es la epoca de la historia en la que ha habido mas numero de buenos musicos aficionados. En las clases acomodadas, que desgraciadamente son las unicas que pueden comprar estos bonitos y caros libros, la musica forma parte obligatoria de la cultura general. Todo el mundo sabe cantar o tocar uno o dos instrumentos y tambien desifrar la musica. Cuando sus amigos vienen a cenar se les invita a formar parte de la orquesta familiar. Los pobres compositores no se hacen ricos y la musica no es un objeto que se venda como si fuera un cuadro. El salario anual del musico mas grande ni siquiera iguala el precio de una obra de un pintor ilustre. A pesar de esto algunos musicos se hacen famosos gracias a la edicion de su musica, este es el caso de Clement Janequin, director del coro de la catedral d'Angers, quien se dio a conocer por sus numerosas canciones francesas. Algunas son faciles y bonitas como canciones populares y otras son verdaderas escenas animadas a cuatro o cinco voces por ejemplo “La Guerre”. Durante la segunda mitad del siglo XVI los italianos dominaban el mundo artistico. El Madrigal era sinonimo de cancion a Francia. Es musica de camara, tan solo para unos cuantos cantores e instrumentistas, todos sentados alrededor de una mesa. No es musica coral. El mas grande de los compositores italianos es sin lugar a dudas Claudio Monteverdi. Su genio sobrepasa todos los modelos y hace brillar la polifonia. Va a ser al mismo tiempo el mejor compositor tradicional y el mejor compositor de vanguardia de su tiempo. Los ultimos libros de Madrigales que compuso son fascinantes, algunos son cantatas y escenas de opera. Con el siglo XVI la musica polifonica llega a su cima, con una inaudita complejidad y perfecta armonia. No obstante a fuerza de ir ligando las voces ya no se entienden las palabras. Los poetas de la musica tienen la impresión de cansarse para nada. Algunos compositores como Josquin des Pres, Orlando de Lassus, Giovanni Palestrina, Tomas Luis de Victoria escribieron misas y motetes que son la culminacion del arte del Renacimiento Johann Sebastian Bach (1685-1750), fue un musico aleman, quien fue como todos los musicos de su tiempo, logado a los principes de las pequeñas cortes alemanas. Bach no pudo imponerse como compositor ya que se le consideraba un virtuoso del organo. Las bases de su tecnica musical se hallan en el aprovechamiento de todos los logros anteriores, y especialmente en el enriquecimiento de la antigua polifonia: la fuga llega a su punto culminante. La musica en el Romanticismo La palabra Romantico comenzo a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los ultimos años del siglo XVII, comienza como una reaccion contra el clasisismo. Dentro de los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente acepta si no alienta la sobreposicion de extremos opuestos: amor a la soledad del individuo y a la vez amor al projimo; un disfrute de lo exotico junto a una nostalgia por lo familiar; una aficion a lo novedoso y al desarrollo junto con ansia por el pasado. El romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede limitarse a solo un periodo de la historia. Por una parte, la nueva sociedad del siglo XIX, hija de las ideas de la revolucion francesa, desea liberarse del pasado y, asi, conseguir un arte que exprese el comportamiento y las ideas de su tiempo. A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo, cada vez mas, de la literatura en la musica: en Alemania los poemas de Wolfgang Von Goethe y Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert, Schumann, Brahms, etc, para producir una de las manifestaciones musicales-poeticas mas importantes de todos los tiempos, el Lied Aleman. Asimismo escritores franceses y britanicos fueron los inspiradores de diversas obras de Beethoven, Berlioz, Verdi y otros. El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la acentuacion de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llego a venerarse a la cancion popular como expresion espontanea del alma naicional. Tambien aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del “colorido” sonoro, lo que permitira enriquecer el vocabulario musical con los medios que transformaran y ampliaran el arte sinfonico de los tiempos modernos. El siglo XIX sera el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifonicas, sonoras y de virtuosismo extraordinario. El Lied Los razgos romanticos comenzaron a aparecer en el Lied Aleman hacia fines del siglo XVIII. Se desarrolla un tipo nuevo de cancion, la balada (poemas largos que alternaban la narracion y el dialogo con historias llenas de aventuras). La influencia de la balada tuvo por efecto la expansión del concepto de Lied, tanto en su forma como la amplitud y fuerza de su contenido emocional. La parte de piano se elevo de simple acompañamiento a una posicion de acompañante de la voz. Hacia comienzos del siglo XIX el lied, se habia convertido en un vehiculo apropiado para el maximo despliegue de facultades de cualquier compositor. El caso de Franz Peter Schubert (1797-1828), es unico en la historia de la musica. Antes de cumplir los 20 años ya habia escrito 8 operas y 4 misas. Su produccion es enorme: se le conocen 1270 obras compuestas: 9 sinfonias, 22 sonatas para piano, unas 35 obras de camara, 6 misas, 17 obras del genero operistico y mas de 600 Lieder. Ludwig Von Beethoven(1770-1827), compositor aleman, de gran importancia en la musica. Su carácter arisco e independiente le hacia vivir replegado en si mismo su pesimismo se refleja en el “testamento de Heiligenstadt”, Beethoven escribio musica instrumental, vocal y para el teatro, entre sus obras mas destacadas se encuentran la Sinfonia nro 3 llamada “Heroica”, la nro 6 llamada “Pastoral”, La misa Solemnis y otras muchas obras, hasta un total aproximado de 260. Con Beethoven la musica deja de ser una diversion aristocratica y se dirige al conjunto de la humanidad. Robert Schumann (1810-1856), este compositor aleman fue uno de los maximos exponentes del movimiento musical romantico del siglo XIX. Una lesion en la mano derecha desbarato su carrera como concertista de piano. Se dedico entonces a la composicion y a escribir sobre musica. La musica para piano de Schumann, aunque dista de ser facil de ejecutar, jamas trata de impresionar al oyente mediante su bravura. Su musica encarna mas plenamente que la de cualquier otro compositor, las profundidades, contradicciones y tenciones del espiritu romantico. Sus obras para pianoson colecciones de piezas cortas en las que una pequeña idea deriva en la creacion de toda la obra a travez de una sencilla organización; ejemplo de estos son: “Mariposas”, “Escenas de Niños” y “Album para la juventud”. Federico Chopin (1810-1849), compositor y pianista polaco, considerado como uno de los mas grandes compositores de musica para piano. Comenzo a estudiar piano a los 4 años. Tambien fue precoz como compositor, donde destaco con sus piezas cortas tales como: Mazurkas y Polonesas. Chopin, a cada pieza, por corta que fuera, le dedicaba extrema atencion, asegurandose de que cada nota tuviera una funcion y significado especificos. Musica de Camaraca Felix Mendelssohn (1809-1847), este musico demostro ser un genio precoz, a los 16 años Mendelssohn produjo sus primeras obras: el rondo capricioso para piano y el octeto para doble cuarteto de cuerda, al año siguiente, “Sueño de una Noche de Verano”. La obra que contiene su famosa marcha nupcial la compuso 17 años despues. Como pianista y director realizo giras por Europa, sobre todo por Inglaterra. Trabajo como director musical. Cesar Franck (1822-1890), compositor y organista nacido en Belgica, donde estudio en el conservatorio, para pasar luego al de Paris, donde realizo toda su carrera musical. Su obra se caracteriza por el uso de las formas clasicas, entre ellas la sinfonia y las sonatas. Franck fue el fundador de la musica de camara francesa moderna y su principal obra en este terreno, es la muy conocida sonata para violin en La mayor. El poema Sinfonico Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor de origen hungaro, fue el precursor del recital para piano, tal como lo entendemos hoy, en el que un solo artista toca una velada completa. Recorrio Europa en gira de conciertos y consiguio una fama sin precedentes. Fue director musical, maestro, compositor, incluso llego a estudiar teologia. El nombre de poema sinfonico es significativo: estas obras son sinfonicas, pero Liszt no las denomino sinfonias, quizas por que son breves y no estan divididas en movimientos separados en un orden convencional. Sus mas conocidos poemas sinfonicos son: “Orfeo”, y “Hamlet”. Su obra maestra, la sinfonia de “Fausto”, consta de 3 movimientos, con un final para tenor solista y coro masculino. La Sinfonia Johannes Brahms (1833-1897), compositor de origen aleman, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clasico y romantico. Brahms era especialista en el piano. Su principal interes como compositor comenzo por concentrarse en el piano. El enfocaba la composicion de una sinfonia con gran cuidado y reflexion. Sus sinfonias son clasicas en varios aspectos, estan expuestas de 4 movimientos. Las sinfonias son romanticas en su lenguaje armonico y en su sonoridad orquestal, plena y multicolor. Hector Berlioz (1803-1869), compositor frances, quien a lo largo de su vida hizo varias giras por Europa y Gran Bretaña, como director de orquesta. Fue maestro de toda una generacion de musicos y se convirtio en el primer director de orquesta virtuoso. Berlioz enriquecio la musica romantica con nuevos recursos de armonia, timbre, expresion y forma. La opera en el siglo XIX Francia La Grand Opera A partir de 1820, nacio un nuevo tipo de opera, destinado a atraer a los publicos relativamente incultos que llenaban los teatros en busca de emociones y entretenimiento. Los rasgos fundamentales de La Grand Opera quedan delineados asi: Argunmento historico no aulico: con fuertes vetas romantico-populares. Trama policentrica: variedad de situaciones, e incluso de estilos. Grandiosidad orquestal y coral. Duracion de la opera de 5 actos. Costumbre de acabar el penultimo acto con un “falso” final feliz. Concluir el ultimo con el final tragico. La Opera Comique Este tipo de opera, siguio su curso en Francia durante el periodo romantico, la diferencia entre la gran opera y la opera comique fue que la segunda utilizaba el dialogo hablado en lugar del recitativo, y en que era menos ambiciosa: exigia menor numero de cantantes instrumentistas, y estaba escrito en un lenguaje musical mas sencillo. La Opera Lirica La opera lirica, era el tipo romantico de la opera comica. Su atractivo principal se ejerce a travez de la melodia, su tema es el drama o las fantasias romanticas. George Bizet (1838-1875), fue un compositor frances muy conocido por sus operas. Una de las mas famosas es “Carmen”. Esta opera ejemplifica un rasgo que recorre todo el periodo romantico, el del exotismo. Italia A pesar de la enorme repercusion de Beethoven en la musica instrumental, durante los primeros años del siglo XIX, es la opera italiana la que domina Europa. La distincion entre opera seria y opera buffa se mantuvo con bastante claridad hasta muy entrado el nuevo siglo. Dentro de este ambiente, la figura mas resaltante es la de Giaccomo Rossini (1792-1868). Su fama crecio por toda europa. En su musica se fusionan la expresion lirica y la necesidad dramatica, con melodias cristalinas, una instrumentacion orquestal llena de colorido y un ritmo contagioso. Rossini utilizo el bel canto para crear melodias alegres de gran brillantes y emotividad. Algunas de sus operas mas famosa son: “El Barbero de Sevilla”, “La Cenerentola”, etc. Uno de los compositores italianos mas prolificos del segundo cuarto del siglo fue Gaetano Donizzeti (1797-1848). En general sus operas comicas resisten mejor que las serias, las pruebas del tiempo. El carácter rudo, primitivo e impulsivo de su musica, se adapta muy bien a la reprensentacion de situaciones crusdas y melodramaticas, pero sus obras resultan frustradas con harta frecuencia por la monotonia de su armonia, su ritmo y su orquestacion. Dentro del mismo genero, surgio en Italia otro gigante que llevo a la opera a una nueva cuspide: Giuseppe Verdi (1813-1901). Su trayectoria constituye practicamente la historia de la musica italiana, en la primera fase de su vida musical, se manifiesta el don de Verdi para producir melodias conmovedoras y crear situaciones tragicas y heroicas. En su segundo periodo produjo 2 operas de importancia: “Macbeth” y “Luisa Miller”. En su tercera fase se traslada a Paris, donde compone gran cantidad de operas. Con “Aida”, cierra esta tercera fase de creatividad. Con la famosa “Otello” abre su cuarta y ultima fase. Verdi transformo la opera italiana y actualmente sus operas se encuentran entre las mas representadas en todo el mundo. Alemania Una de las caracteristicas del siglo XIX, fue la fuerte influencia mutua ejercida entre la musica y la literatura, y puesto que Alemania era el pais en que el romanticismo florecio con mayor intensidad, algunos de los desarrollos y ramificaciones mas importantes de todo el movimiento se exhiben en la opera alemana. El compositor mas destacado de la opera alemana y una de las figuras mas importante en la historia de la musica del siglo XIX fue Richard Wagner (1813-1883). La importancia de este compositor es triple: llevo a su maximo la opera romantica alemana; creo una forma nueva, el drama musical; y el lenguaje armonico de sus ultimas obras llevo hasta el limite las tendencias romanticas. En “Tristan und Isolde”, el desarrolla un estilo orquestalmente mas rico, melodicamente mas cromatico, y logra una tension armonica nunca antes alcanzada en la musica. La obra de Wagner afecto a toda la opera subsiguiente. Por encima de todo, su musica se impuso por que, era capaz de sugerir, suscitar o crear en sus oyentes un estado total de extasis. Postromanticismo Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las ultimas etapas del romanticismo, y de la transformacion del lenguaje romantico en el nuevo lenguaje musical. Este movimiento se produjo principalmente en Alemania. Sin embargo dos fuerzas desafiaban la posicion musical en Alemania. Una era el nacionalismo, y la otra era el surgimiento de una nueva escuela de composicion en Francia. Los ultimos 30 años del siglo XIX fueron relativamente pacificos en Europa, el comienzo del siglo XX se caracterizo por un creciente desasosiego social y un aumento de la tension internacional (La Primera Guerra Mundial). En el reino de la musica hubo tensiones e inquietudes similares, y durante estos años, concluyo el periodo clasico-romantico. Uno de los rasgos caracteristicos de este periodo en Alemania fue una resurreccion del interes por la opera sobre el cuento de hadas. Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta aleman, y uno de los orquestadores y polifonistas modernos mas excepcionales. Su obra puede dividirse en 3 periodos: en el primero creo su Sonata para violoncello y piano. En el segundo periodo perfecciono el poema sinfonico y creo su famosa obra “Don Juan”, al tercer periodo pertenecen sus operas “Salome” y “Electra”. La Musica en el Siglo XX Para comprender la musica en el siglo XX, es importante acercarse primero a la del siglo XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta corriente supone una autentica liberacion, se va a luchar por una musica mas individual y personal, saliendose para ello de las normas establecidas, la musica impresionista pretende destacar el impacto que provoca la obra al ser escuchada. Se aplican nuevos acordes, colores y sonoridades. En esta musica el sonido va a constituir el alma de la musica. Claudde Debussy (1862-1918), genero ideas completamente nuevas en la forma, la orquestacion y fue uno de los renovadores mas eficaces de la historia de la musica en el mundo occidental. A partir de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artistico europeo, lo mismo en arte que en musica va a cambiar enormemente. Cada musico tiende a crear su arte independiente, ademas los diversos estilos se iran sucediendo a gran velocidad. Igor Stravinsky (1882-1971), una de las figuras mas importantes del siglo XX. Toco en su obra los aspectos mas variados, investigo en todos los aspectos de la musica, se subio al carro del neoclasicismo donde trata de acomodar su musica a la de la finales de barroco. Si hay algo que caracteriza al sigloi XX es la ruptura con la tonalidad “Atonalismo”. Esta regla consiste en crear una musica completamente distinta, obviando las reglas que rigieron durante siglos de señirse a una tonalidad. Primero se rompe con la armonia, luego con la melodia, el ritmo y con todo lo establecido. Bela Bartok (1881-1945), musico hungaro, es uno de los musicos que mas va a influir en la musica del siglo XX. Bartok consigue unir la musica moderna con la tradicional, creando un lenguaje nuevo. Mientras tanto en Italia aparecen una serie de musicos que incorporan a su musica, nuevos objetos sonoros: la incorporacion de ruidos. Esta corriente se llamo Futurismo y afecto tanto a la musica como a la literatura y al arte. El futurismo pone como punto de partida el ruido, no el sonido. En Francia mientras tanto, surgio paralelamente el Bruitismo (del frances Bruit, ruido), que parte de ese mismo punto. La musica despues de la Primera Guerra Mundial Despues de la 1ra Guerra Mundial, surge una nueva actitud que domina el campo artistico en las siguientes dos decadas. Sus caracteristicas son la claridad, la objetividad y el orden. Surge un deseo de evitar los excesos del romanticismo tardio o postromanticismo. Algunos de los mas importantes musicos de esta epoca fueron: el musico ruso Stravinski y el musico aleman Schoenberg. Entre los musicos ingleses con mas talento que surgio en la decada de los 30's se encontraba Britten, quien desarrollo su estilo, caracterizado por un eclecticismo claro, con una tecnica muy segura y expresiva. En Estados Unidos, los años que siguieron a la 1ra Guerra Mundial, fueron testigos de la aparicion de la primera generacion de compositores nacidos en su pais, entre ellos se destacan Coppland, que recibe las influencias directas del jazz y Vareze, que se intereso por introducir sonidos nuevos en sus composiciones. En America Latina, la musica estuvo influenciada por la tradicion cultural europea. Fue a finales del siglo XIX, cuando comienza a aparecer una musica latinoamericana por si misma. Casi todos los compositores latinoamericanos comenzaron como nacionalistas y poco a poco introdujeron en su musica las influencias de la musica europea. Entre sus maximos representantes estan Villalobos, Chavez, y Ginastera. La Musica despues de la Segunda Guerra Mundial Una de las caracteristicas de esta guerra fue la creacion de 2 bloques internacionales y antagonicos, el comunismo sovietico frente al capitalismo de EE.UU. Este turbulento contexto historico, tendra gran repercucion en la actividad artistica de la post-guerra; la mas inmediata la emigracion de muchos e importantes musicos desde Europa a EE.UU. lo que convertira a este pais en el centro de la musica y del arte occidental. La musica experimenta un desarrollo muy rapido y si en la decada de los 50's predominan solo 2 tendencias: el serialismo y la indeterminacion, en los 60, surgen el minimalistmo, la musica textural, la etnica, la ambiental, etc... Por fin una caracteristica importante del desarrollo cultural y musical a partir de la segunda guerra mundial, sera la inexistencia de una estetica central, ademas el desarrollo de estas culturas no comunes propisiara a un desarrollo individualista y a la desconeccion total. El espiritu composional de la post-guerra, supondra un gran aislamiento entre el compositor y el publico. Ahora todo se basa en una secuencia de proporciones melodicas, de duracion y soloridades. La indeterminacion es uno de los desarrollos musicales mas significativos que aparecen tras la segunda guerra mundial, y se basa en la utiliacion intencionanda de la casualidad en la composicion y/o interpretacion. Muchos de los musicos de esta corriente tenian la conviccion de que la musica carecia de proposito, de esta forma podian crear estructuras musicales lanzando por ejemplo monedas al aire, o utilizando las cartas de navegacion de cualquier barco. Desarrollo en la Tecnologia Musica Electronica La primera manifestacion de la musica asistida por medios electronicos es la musica concreta. Esta musica parte del ruido o de los sonidos naturales, al igual que el futurismo. En 1952, se crea en Alemania el primer estudio exclusivo de musica electronica. Esta musica esta exclusivamente creada con sonidos producidos electronicamente y parte de lo que se llama “tono sinusoidal”, un sonido puro, sin armonicos, que es fisicamente desagradable y que hay que elaborar con aparatos muy complicados. Entre las primeras obras puramente electronicas encontramos Study I y II del compositor aleman Stockhaussen. Sin embargo la musica electronica creo descontento en los compositores desde el principio ya que aunque permitia un contro exacto y una presicion absoluta sobre la obra, este resultaba pobre y parecia carecer de vida. Por ello, muchos compositores unieron la musica concreta y la electronica, para crearun genero que goza desde gran popularidad desde entonces y hasta hoy en dia, la musica electroacustica. El vertiginoso desarrollo de la tecnologia a partir de la 2da guerra mundial traera como fruto la incorporacion de sintetizadores y a la musica creada por computador o musica cibernetica. En nuestros dias, el panorama musical mundial se caracteriza por un pluralismo cultural y por la irrupcion de las culturas y musicas populares en la vida diaria de todos. El abismo entre compositor y publico es hoy mas acusado que nunca y la musica “culta” parece haberse distanciado de los gustos y preferencias del publico, mas interesados por las musicas mas populares y cercanas, tales como el rock el pop, etc... A pesar de todo esto no parece probable un cambio de la magnitud que la musica viene experimentando a lo largo de todo el siglo XX. Para que la musica cambie, parece que antes el mundo debe cambiar de nuevo...